Artiste originaire de Géorgie évoluant désormais à Luxembourg, Irina Gabiani vient d’achever une nouvelle série, intitulée Minimal-Complexity, qui s’apprête à circuler en Europe, après une première exposition organisée à Metz par la galerie PJ.

Irina Gabiani, vous êtes née en 1971 à Tbilissi, où vous avez suivi une formation à l’école d’art et à l’Académie des arts. Comment se déroulait l’enseignement en Géorgie, lorsque ce pays était encore un pays de l’Union soviétique ? Y avait-il encore des dogmes particuliers à respecter ?

L'enseignement à l'école d'art puis à l'académie d'art de Tbilissi était très axé sur l'apprentissage et la maîtrise des techniques, avec une approche classique centrée sur les paysages, les natures mortes, les portraits.... Bien que l'innovation et la liberté dans l'approche n'ont pas été encouragées, les techniques apprises et l'étude de la composition sont toujours un instrument fondamental que j'utilise pour créer mes nouvelles œuvres d'art. J'ai, au contraire, acquis une totale liberté d'expression en rejoignant la Rietweld Academy of Arts d'Amsterdam.

Quels sont les peintres géorgiens qui ont pu influencer votre travail ou pour lesquels vous avez une estime particulière ?

Parmi les artistes géorgiens que j'admire, il y a Niko Pirosmani (1862-1918), dont j'avais l'habitude de reproduire les œuvres dans mes dessins pendant mon enfance, et d'autres grands innovateurs tels que David Kakabadze (1889-1952), Petre Otskheli (1907-1937), qui a été tué par le régime soviétique, sans oublier Serge Paradjanov (1924-1990), un grand cinéaste et un artiste fantastique qui a fait de Tbilissi sa propre ville, et plus récemment la première génération d'artistes qui a introduit l'approche conceptuelle en Géorgie, comme Mamuka Japaridze, Koka Ramishvili...

Par comparaison, comment s’est déroulée votre formation académique à Amsterdam, à l’Académie des Beaux-Arts Gerrit Rietveld ?

Au début, c'était assez difficile pour moi, mais lorsque j'ai appris à faire face à la liberté dans mon expression artistique, cela a déclenché ma recherche personnelle. J'ai découvert de nouveaux matériaux (tels que le bois, la porcelaine, le métal...) et de nouveaux modes d'expression, tels que l'installation et la performance par exemple. Dans un environnement académique aussi libre, j'ai pu construire mon propre langage personnel et mon mode d'expression. 

Votre art s’inspire du corps humain, mais aussi bien de l’univers. Comment reliez-vous ces deux échelles, ces deux approches différentes au sein de votre production ?

Je pense que nous et tout ce qui se trouve dans l'univers faisons partie d'un grand organisme, où tout — des étoiles aux êtres humains en passant par les plus petites particules — est interconnecté. C'est pourquoi notre comportement a un impact à une échelle plus grande que nous ne le pensons et cet impact exige que nous agissions tous de manière responsable. Dans mes œuvres, je fais parfois un zoom avant et parfois un zoom arrière sur les objets et, par conséquent, mes œuvres deviennent plus micro ou macro orientées, plus axées sur l'homme ou plus universelles. Le concept clé, cependant, reste toujours le même, mais il est représenté d'une manière différente.

Dans la série « Minimal-Complexity », des figures féminines sont souvent en prise avec des ustensiles de cuisine ou avec des atours (colliers, bagues, etc.). Est-ce une façon pour vous de formuler une critique de la société de consommation et des accessoires domestiques auxquels les femmes ont souvent été réduites ?

D'une certaine manière, oui, je traite de concepts sociaux tels que l'hédonisme excessif, le consumérisme excessif, les stéréotypes dans la société parce que je pense que les stéréotypes tuent l'une des caractéristiques les plus précieuses des êtres humains, à savoir l'individualité. Je pense que la recherche de la beauté est positive, tandis que la dépendance à son égard est négative.  À mes yeux, tout excès est d'une certaine manière négatif. Parfois, j'utilise des objets pour changer leur contexte. Je le fais en réduisant ou en augmentant la taille de certains objets pour modifier la perception que nous en avons. De cette manière, je veux souligner la relativité de tout ce qui existe dans l'univers.

En 2011, vous avez participé à la 51e Biennale de Venise ; quels souvenirs vous reste-t-il de cette expérience internationale ? Comment avez-vous vécu cette participation à cette grande manifestation ?

J'ai été très heureuse de participer à la Biennale de Venise, l'un des événements artistiques les plus importants : ce fut bien sûr pour moi une grande satisfaction, un honneur et une grande motivation de voir mon travail exposé à l'Arsenale. Parallèlement, mes œuvres ont également été exposées à l'Université du Luxembourg et à la Cour de justice des Communautés européennes dans le cadre d'expositions organisées par l'Institut italien de la culture. J'aimerais beaucoup représenter le Luxembourg lors de l'une des prochaines éditions de la Biennale de Venise, car j'aime beaucoup le Luxembourg et je suis très fière d'être devenue citoyenne d'un pays aussi innovant, international et ouvert à tous.

Depuis quand êtes-vous installée à Luxembourg et quelles sont les raisons vous ayant conduit à y résider ?

J'ai déménagé au Luxembourg en 1998, lorsque mon mari a déménagé pour des raisons professionnelles, et j'ai tout de suite aimé vivre ici. Le Luxembourg est devenu depuis ma deuxième patrie.

Y a-t-il des artistes luxembourgeois dont vous suivez le travail ou dont vous appréciez tout particulièrement les œuvres ?

Parmi les artistes luxembourgeois, pour n'en citer que quelques-uns, j'apprécie beaucoup Edward Steichen, qui est pour moi l'un des plus grands photographes et artistes. Il était très en avance sur son temps et ses œuvres sont encore exceptionnellement contemporaines, en particulier ses portraits qui sont pour moi comme des peintures. Un autre artiste que j'apprécie est Arthur Unger, qui a développé une technique unique. Je trouve son utilisation du feu et de l'eau comme médium très spéciale.

Vous travaillez plusieurs arts (peinture, collage, vidéo) ; comment choisissez-vous le support technique pour réaliser telle ou telle œuvre ?

Chaque medium a ses propres prérogatives pour exprimer certaines idées d'une manière spécifique. En fonction des idées que je veux exprimer, je choisis le support qui me convient le mieux. Parfois, j'aime mélanger différentes techniques et différents supports. L'utilisation de différents supports dans mon art me permet de voir les choses sous un angle différent et m'enrichit beaucoup.  J'utilise toujours intentionnellement différents supports pour offrir cette perspective plus large.

Il vous arrive de projeter un film au sein même d’un tableau ; pouvez-vous nous expliquer ce que vous recherchez à travers ce dispositif inédit ?

Je travaille également avec l'art vidéo depuis de nombreuses années : J'ai décidé d'insérer une vidéo dans le cadre d'une peinture, car je voulais ajouter une idée de mouvement à une approche classique de la toile et la rendre vivante. Dans mes peintures, il y a toujours une idée de transformation et l'art vidéo est une transformation continue.  Je continuerai à réaliser d'autres œuvres où la peinture et la vidéo sont combinées.

Pouvez-vous évoquer les prochains projets artistiques (et d’exposition) auxquels vous travaillez en ce moment ?

Je travaille actuellement sur de nouveaux projets et expositions au Luxembourg, en Italie et en Allemagne avec ma nouvelle série d'œuvres intitulée "Minimal-Complexity", qui vient d'être présentée pour la première fois à la Galerie PJ à Metz, en France. Ma série d'œuvres "Minimal Complexity" correspond à une évolution de mon précédent travail. Dans tous mes travaux, j'essaie toujours de regarder au-delà de l'apparence et de découvrir la complexité qui se trouve à l'intérieur de chaque chose. De même, dans "Minimal Complexity", j'explore la complexité qui se trouve à l'intérieur des structures solides, des formes géométriques et des formes. L'interconnexion de toute chose est très importante pour moi, car lorsque nous la comprenons, nous commençons à nous comporter de manière responsable. C'est un message commun à mes œuvres. Comme dans le projet que j'ai présenté à la galerie Nosbaum-Reding à Luxembourg, intitulé "Domino principle : the end is your choice".